Diez Obras Maestras que no Esperarías Encontrar en Los Ángeles

Para aquellos que buscan las obras maestras del arte, Los Ángeles es un destino que no pueden dejar de visitar, lleno de tesoros culturales de todo el mundo. Muchos de estos trabajos icónicos se encuentran en los Ángeles y probablemente no nos imaginaríamos que pudieran estar aquí, desde “Los Lirios” de Van Gogh hasta “Dia de Flores” de Diego Rivera y “El Niño de Azul”

A través de su carrera el afamado artista Mexicano Diego Rivera creó una gran cantidad de pinturas de caballete y acuarelas representando a la gente indígena de México uno de sus trabajos más famosos es “Día de Flores”. Esta pintura creada en 1925 por Rivera se encuentra en exposición permanente en el edificio de Arte de las Américas del Museo de Arte del Condado de Los Ángeles (LACMA).  La perspectiva única de las flores a ojo de pájaro y las figuras estilizadas se derivan de las pinturas anteriores de Rivera en el Cubismo. Día de Flores fue la primera gran obra de Rivera en entrar a una colección en los Estados Unidos.

“La Traición de las Imágenes” (Esto no es una Pipa) (La trahision des images [Ceci n'est pas une pipe]) fue pintada en 1929 por el artista de origen Belga René Magritte, cuando el artista tenía 30 años de edad. La Traición de las Imágenes es una obra maestra del Surrealismo y un ícono del arte moderno. En la actualidad se encuentra en exhibición en el edificio Ahmanson en el LACMA. La Traición de las Imágenes pertenece a una serie de pinturas de imágenes de todo el mundo que Magritte realizó a finales de la década de 1920s, la cual contemplaba la imposibilidad de reconciliar palabras imágenes y objetos. En La Traición de las Imágenes, Magritte desafía la noción convencional de identificar una imagen como una cosa por si misma. La pintura hace que el espectador pondere sus mensajes conflictivos e incluso cuestiones la realidad. Con el uso de textos dentro de sus obras de imágenes, Magritte influenció a varias generaciones de artistas posteriores incluyendo Jasper Johns, Roy Lichtenstein, Robert Rauschenberg, Edward Ruscha y Andy Warhol.

En 1889, Vincent van Gogh se recluyó a sí mismo en un asilo en Saint-Rémy, Francia, dentro del cual creó casi 130 pinturas en la etapa final de su vida. Dentro de la primera semana en el asilo, van Gogh comenzó a trabajar en Los Lirios, desde la naturaleza en el jardín. En esta composición se puede ver la fuerte influencia de la impresión de los bloques de madera japoneses con delineados fuertes, vistas de cerca, colores planos y lirios florecientes. Cada uno de los lirios de Van Gogh es único; él estudió cuidadosamente sus movimientos y formas para crear una variedad de siluetas curveadas bordeadas por líneas onduladas que se encrespan. El primer dueño de esta obra fue el critic Francés Octave Mirbeau, quien pagó 300 francos por ella. En 1987, Los Lirios se convirtió en la pintura más cara jamás vendida, estableciendo un récord que se mantuvo durante dos años y medio. En 1990 fue adquirida por el Museo J. Paul Getty y está en exhibición en el Centro Getty en Brentwood. En cifras de 2012, Los Lirios se ubicaba como la décima pintura más cara jamás vendida tomando en cuenta los índices inflacionarios.

“El Paseo”, una de las obras más apreciadas de Pierre-Auguste Renoir se encuentra en exhibición en el mismo salón que Los Lirios de van Gogh en el Centro Getty. Renoir, junto con Claude Monet, fue uno de los fundadores del Impresionismo, que liberaba a los artistas de tener que decir una historia en sus pinturas y los dejaba simplemente capturar lo que veían. Pintada en 1870, El Paseo representa una pareja Parisina de la clase media vislumbrada fugazmente en un escenario natural en lugar de en un estudio. El uso de la luz mientras se filtraba a través del follaje se convirtió en una de las características principales de las obras de  Renoir.

También localizada en el mismo extraordinario salón en el que se encuentran Los Lirios y El Paseo también encontramos iconos del impresionismo como “Las Ninfeas” de Claude Monet y la serie de estudios del Impresionismo de Monet “Catedral Rouen” y “Bahía Le Havre”.

“La Gran Ola de Kanagawa” (1831-1833) es un trabajo sobre un bloque de madera del artista Japonés Katsushika Hokusai. Fue publicado como el primero de una serie de trabajos de Hokusai “Treinta y seis panorámicas del Monte Fuji”. La Gran Ola de Kanagawa es el trabajo más famoso de Hokusai y una de las obras de arte japonés más reconocidas en el mundo. La obra representa una ola gigantesca (un okinami, que frecuentemente es confundido con un tsunami) rompiendo sobre unos botes cerca de la prefectura de Kanagawacon el Monte Fuji a la distancia. Copias de esta obre se encuentran en algunos de los más importantes museos del mundo como Metropolitan Museum of Art en Nueva York, el British Museum en Londresy el Art Institute of Chicago. En Los Angeles, La Gran Ola de Kanagawa está en la colección del Centro de Artes Gráficas Grunwald en la UCLA, localizado en el nivel superior del Hammer Museum en Westwood. Para visitar el Centro se requiere hacer cita con anticipación, favor de llamar al 310.443.7078 para programar su visita.

El Dr. Samuel-Jean Pozzi fue un reconocido cirujano francés y “el Padre de la Ginecología Francesa”, un hombre de la época del Renacimiento que también era un soldado, político y coleccionista de arte. Su amigo John Singer Sargent fue un artista estadounidense que recibió reconocimiento internacional por sus extraordinarios retratos. El Dr Pozzi en Casa (1881) es uno de los trabajos más reconocidos de Sargent, un retrato de cuerpo entero a tamaño natural del bien parecido doctor, quien era todo un mujeriego. Esta particular obra presenta todo lo opuesto de los retratos de aquella época mostrando al Dr. Pozzi de cuerpo entero vistiendo un provocativo camisón de dormir color rojo sangre. La obra fué adquirida por Armand Hammer en 1967 por parte del mismo hijo del Dr.  Pozzi para su colección privada y subsecuentemente fue puesta en exhibición al público en el Museo Hammer en 1991.

La pintura más reconocida de la vasta colección de Huntington Library, Art Collections & Botanical Gardens es “El Niño de Azul” de Thomas Gainsborough (c. 1770). La obra es el retrato de cuerpo entero  de Jonathan Buttall, el hijo de un exitoso empresario quien era amigo cercano del artista. Gainsborough vistió a su joven modelo con un atuendo que data de 140 años antes de que fuera realizada la obra, probablemente como un homenaje al maestro Flamenco Anthony van Dyck. Para consternación del público británico el Niño de Azul fue vendido al magnate ferrocarrilero estadounidense Henry E. Huntington en 1921 por un precio récord en aquella época de USD$728,800. Antes de ser enviado a California El Niño der Azul fue puesto en exhibición por poco tiempo en la Galería Nacional de Londres donde fue visto por alrededor de 90,000 personas.

Casi tan famoso como el Niño de Azul, es el retrato “Pinkie” de Thomas Lawrence que se encuentra en exhibición en la misma galería. Juntas estas dos obras se volvieron tan populares que los papás en todo el mundo empezaron a vestir a sus hijos de azul a los niños y de rosa a las niñas a partir de ello.

Basada en “Madame Moitessier”, la obra del pintor Neoclásico Francés Jean-Auguste-Dominique Ingres, “Mujer con un Libro” es un retrato de una mujer soñando pintado por Pablo Picasso en 1932. Mujer con un Libro se encuentra en exhibición en el Museo Norton Simon en Pasadena. La modelo de Picasso fue Marie-Thérèse Walter, su compañera en aquella época. Picasso conoció a la mujer, mucho menor que el,  afuera de una tienda departamental en Paris cuando supuestamente le dijo “Tienes una cara muy interesante y me gustaría hacerte un retrato, soy Picasso.” El resto es historia de arte moderno, Walter inspiró Picasso a crear incontables pinturas, esculturas, dibujos e impresiones. En Mujer con un Libro, Walter mira hacia arriba de su libro mientras sueña despierta y su imagen se refleja en el espejo detrás de ella.

“El Pensador” (Le Penseur) es una icónica escultura de bronce en un pedestal de mármol creada por el escultor francés Auguste Rodin. Presentada por primera ocasión en 1902, El Pensador representa a un hombre en profunda meditación, y es utilizada muy frecuentemente para representa a la filosofía.  The Thinker depicts a man in deep meditation, and is often used to represent philosophy.  El ceño fruncido y los puños apretados indican que está librando una ponderosa batalla interna. La onceava estatua fundida se encuentra en exhibición en el Museo Norton Simon.

Una de las más grandiosas estatuas de la Roma Antigua se encuentra en exhibición en la Villa Getty en Malibu. Con fecha aproximada de 125 de nuestros días, Hércules de Lansdowne representa al héroe Griego con un palo sobre su hombro izquierdo y la piel del mítico león Nemean en su mano derecha. Encontrada cerca de las ruinas de la villa del Emperador Romano Hadrian en Tivoli a las afueras de Roma, el Hércules de Lansdowne probablemente fue inspirado en una estatua griega perdida, esta versión fue una de las muchas obras de coipas de esculturas griegas solicitadas por Hadrian, quien era un adorador de la cultura griega. La estatua fue nombrada por Lord Lansdowne, quien en alguna ocasión fue el propietario de la estatua y la tenía en exhibición en su hogar en Londres.